Martin Scorsese apresenta este novo documentário de longa-metragem muito pessoal e perspicaz sobre os cineastas britânicos Michael Powell e Emeric Pressburger.
Reviews e Crítica sobre Feito na Inglaterra: Os filmes de Powell e Pressburger
Nenhuma filmografia é uma ilha, mas as obras de Michael Powell e Emeric Pressburger se elevam tanto sobre o cinema britânico que podem constituir um reino mais elevado. Por alguns anos, também, eles ficaram envoltos em neblina. A vergonha crítica e o desprezo de Powell após a rejeição de Peeping Tom por sua indústria nativa em 1960 são bem ensaiados, mas naquela década muitas das glórias conjuntas da dupla, de The Life and Death of Colonel Blimp (1943) a The Red Shoes (1948), foram recortadas e depois rejeitadas, deixadas para negligenciar e decair. No entanto, por mais esfarrapadas que fossem suas formas, seu espírito não permaneceria fechado. Como Martin Scorsese relata perto do início desta homenagem e testemunho sincero, a própria desvalorização dos filmes os ajudou a alcançar novos horizontes: numa época em que Hollywood não licenciava seus próprios produtos para a televisão dos EUA , deixando uma lacuna preenchida por importações baratas, um Scorsese muito jovem e faminto por filmes estava observando cenas sujas, monocromáticas e recortadas do filme codirigido por Powell, O Ladrão de Bagdá (1940), e muito mais na TV de sua família , e reconhecendo a magia.
O velho Scorsese, santo padroeiro da restauração de filmes com sua World Cinema Foundation – que ajudaria a ressuscitar Blimp e Red Shoes – dificilmente foi um polidor solitário da luminária de Powell e Pressburger nos anos seguintes. Críticos, acadêmicos, curadores – e Derek Jarman – começaram a reviver e a reivindicar os filmes na década de 1970; Gavin Millar apresentou um documentário da BBC Arena em 1981, ‘A Pretty British Affair’, quando a dupla foi nomeada bolsista do BAFTA ; David Hinton marcou o primeiro volume da autobiografia de Powell, A Life in Movies, em 1986 com um retrato do South Bank Show, rico em lembranças encenadas de forma lúdica de Powell. Hinton também dirigiu este novo filme, que empresta livremente filmagens de seus antecessores; mas embora o título o omita, o filme se encaixa com A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (1995) e My Voyage to Italy (1999) do próprio Scorsese como outra de suas incisivas dissertações em primeira pessoa sobre a história do cinema. De fato, é seu mais subjetivo até agora, não apenas narrado por Scorsese diretamente para a câmera, mas atado com ilustrações diretas da influência de Powell e Pressburger em seu próprio trabalho enquanto ele relata o progresso de seu relacionamento com Powell em particular, de fã a acólito, pupilo, amigo, até mesmo casamenteiro. O filme é coeditado (junto com Margarida Cartaxo e Stuart Davidson) por uma Thelma Schoonmaker não creditada, colaboradora de longa data de Scorsese e viúva de Powell. É um caso de família cinematográfica e um elogio: às qualidades, convicções e paixões que elevaram o cinema de Powell e Pressburger e nos elevam com ele — o amor sendo o mais importante.
Se o taciturno Pressburger é menos visível, seus traços são evidentes nos filmes, não menos que seus conceitos de histórias de bravura: nazistas desorganizados no Canadá mostrando suas verdadeiras cores em 49th Parallel (1941); peregrinos de guerra encontrando socorro na paisagem inglesa em A Canterbury Tale (1944); um piloto da força aérea em coma preso entre o céu e o amor em A Matter of Life and Death (1946). Quando perguntado sobre o que o atraiu em Pressburger, Powell não hesita: “Foi uma mente linda que eu respondi.” Ele relembra sua introdução ao escritor de pensamento livre em uma reunião de roteiro: “Eu não ia deixá-lo escapar com pressa.” Mesmo após sua separação relutante após Ill Met by Moonlight em 1957, admitindo que suas ambições haviam divergido, Pressburger ainda estava creditando o amor por sua arte como a cola que mantinha unidas suas realizações – eles eram “amadores em um mundo de profissionais”.
Scorsese observa como a “visão de renovação e amor” de A Matter of Life and Death (levando às peças de paixão ainda mais inebriantes de Black Narcissus, 1947, e The Red Shoes) chocava com o cinismo do filme noir do pós-guerra, e postula uma mudança do idealismo de guerra para o realismo de paz como a causa de sua queda em desgraça. A guerra foi o evento definidor para esses cineastas, dando profundidade e propósito ao seu trabalho: desde definir contra quem lutamos em Contraband (1940) e 49th Parallel, e como lutamos em One of Our Aircraft Is Missing (1942), até as elucidações – em The Life and Death of Colonel Blimp e em diante – de valores mais elevados que precisavam ser defendidos. Pressburger chamou A Canterbury Tale e sua continuação, o romance hebrideano fustigado pela tempestade I Know Where I’m Going! (1945), episódios em sua “cruzada contra o materialismo”; Scorsese concorda, notando suas qualidades de sermão e espiritual-místicas, sem mencionar a alegria absoluta do último em se perder. (Scorsese recomenda isso para a comunhão em datas especiais: “Sei que não sou o único a fazer isso.”)
Eles adotaram o nome The Archers – um crédito autoral compartilhado ainda mais curioso naquela época do que agora – após seu sucesso com 49th Parallel, que rendeu a Pressburger um Oscar de roteiro. Lembrei-me de como, após o sucesso de Nausicaä of the Valley of the Wind (1984), Miyazaki Hayao e Takahata Isao criaram o Studio Ghibli no Japão, outro empreendimento liderado por artistas que garantia a independência de dois mágicos e trabalhadores espirituais que assumiam riscos. Os Archers teriam ido mais longe com um produtor dedicado como Suzuki Toshio, da Ghibli, ao seu lado? Durante seus anos dourados, eles tiveram a confiança de seu patrono Arthur Rank – até que ele viu The Red Shoes; depois disso, eles lutaram para encontrar benfeitores na austera Grã-Bretanha do pós-guerra. Mas eles ainda aumentaram sua empresa de ações, na frente e atrás das câmeras. Made in England dedica uma seção aos feitos de design de produção de Alfred Junge, especialmente na escadaria para o céu em Uma questão de vida ou morte e no Himalaia de Narciso Negro, encenado em estúdio, embora não haja menção a Hein Heckroth, colega emigrante alemão de Junge e sucessor de Os Sapatos Vermelhos em diante.
Em seu programa Arena, Millar saudou “filmes que pareciam bizarramente estrangeiros em seu estilo e sabor imaginativos”. Em que Inglaterra eles foram ‘feitos’? Vemos Powell filmando Age of Consent (1969) na Austrália (não há espaço para outras obras menores tardias), e ele também filmou no Canadá e em sua amada Escócia. Claramente, a Inglaterra de Powell e Pressburger era centrífuga: curiosa, generosa, híbrida, metafísica. Scorsese se opõe à sugestão de que eles eram românticos ingleses: “Não sei o que isso significa”. De fato, no South Bank Show Powell rejeitou o termo romântico: como Blimp, ele se considera “honrado, perplexo, inocente”. (O imigrante Pressburger, nessa analogia, traz a afeição de outsider do parceiro de treino de Blimp, Theo Kretschmar-Schuldorff.) Scorsese exibe um clipe de seu The Age of Innocence (1993), com base no questionamento de Blimp sobre o idealismo e o desejo frustrado e o arrependimento da experiência. “Quanto mais eu vivo, mais forte fica meu senso do que os personagens estão sentindo”, ele diz. “Crescendo, envelhecendo e, eventualmente, tendo que deixar ir.” Até lá, podemos nos agarrar a esses sonhos de filme.
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